A cultura da música italiana antiga, da qual a música também é uma expressão, é caracterizada por seu policentrismo, principalmente devido ao fato da Itália ter chegado atrasado à unificação política e muito mais tarde à unificação linguística.

Assim, também é identificada pelo afastamento entre a língua e a cultura de elite e as línguas e culturas populares expressas pelos dialetos locais, regionais e cidadãos.

Portanto, não é de surpreender que, nas origens da música italiana antiga, haja três vertentes muito diferentes: 1. Melodrama; 2. As canções dialetais (especialmente napolitanas); 3. Canções políticas e sociais.

Três vertentes muito diferentes, mas, como veremos, com contaminações surpreendentes e influências mútuas.

O Melodrama

O melodrama (a ópera), nascido na Itália no século XVIII, atingiu seu auge no século XIX, quando seus “romances” e “árias” mais famosos foram muito popular.

Todavia, porque naquela época (sem rádio e cinema na TV) as pessoas iam ao teatro muito mais do que hoje.

Assim, no final do século XIX, também apareceram os “romances de lounge” para piano e voz, escritos por compositores famosos, que contribuíram para espalhar o gosto aristocrático do concerto da casa nos salões burgueses.

Contudo, no início do século XX, a invenção do gramofone e do disco de vinil (78 rpm, até o segundo período do pós-guerra, quando as 33 e 45 rpm assumiram) permitiu gravar esses romances e canções e deu fama internacional a grandes tenores.

O napolitano Enrico Caruso nos primeiros vinte anos do século XX (que, como ouviremos, ele também interpretou a canção napolitana).

Depois o Marchigiano Beniamino Gigli, seu “herdeiro” das décadas de 1920 a 1940 (ver na segunda parte).

No final do século XIX, uma versão mais leve e frívola foi adicionada à grande tradição da Ópera. Assim, a Opereta (nascida em 1858 na França com Orfeo no inferno por Jacques Offenbach, que lançou a dança escandalosa da lata can), uma das expressões culturais mais típicas da Belle Epoque.

Contudo, durante a Belle Epoque (final de 800 – 1914), um novo tipo de show foi estabelecido, o concerto do café, nos passos do cantor de café francês.

Então, o primeiro foi o Salone Margherita, em Nápoles, com mesas, poltronas e um palco pitoresco em que diferentes atrações se alternavam.

Dança, canções, números cômicos. Era o reino dos “faladores finos” (assim chamados por seu estilo, feitos de elegância cortada, monóculo, voz falsetto) e da “cciantose” (os cantores, da chanteuse francesa).

De fato, eram as primeiras divas, portadoras de uma imagem fatal, pecaminosa, quase pós-mandibular de beleza feminina, como a famosa Cléo de Merode, Lina Cavalieri, “a bela Otero”.

Com isso, o concerto do café foi seguido por, perto da Grande Guerra, o teatro de variedades, composto de sátira, canções, danças, malabaristas e strippers, nos passos da inescrupulosa Paris do Moulin Rouge e do Folies Bergères.

A música italiana dialetal

A música italiana antiga dialetal tinha origens nas diferentes cidades e regiões, mas entre todas as napolitanas era de longe a mais prestigiada, com seu próprio festival desde 1839, em Piedigrotta (por ocasião da inauguração da primeira ferrovia na Itália, a Nápoles).

Dessa forma, Iniciado no século XVIII, sob a forma de uma serenata ou ‘villanella’ (canção rural), absorveu a tradição da tarantella, uma dança de origem apúlia com um ritmo rodopiante.

Acompanhado de castanholas e pandeiros, viu a passagem da música popular com a canção de amor “Te voglio bene assaje” (1839: o primeiro autor conhecido, Raffaele Sacco), cujo texto foi impresso em 180.000 cópias!

Assim, seguido por Santa Lucia (1848) e muitos outros, especialmente dos anos 80 à Primeira Guerra Mundial, como:

A cammesella (1875, destinada a acompanhar muitos striptease nos concertos de café), Oilì Oilà.

A vucchella (com texto de Gabriele D ‘Annunzio), Funiculì funiculà (1880), Era de Maggio, Marechiare (1885).

O único mio (1898), ‘Vurria vasa‘, Back to Suriento, Ninì Tirabusiò.

O surdato nnamurato (1915), Reginella (1917). Muitos destes foram compostos por três autores excepcionais: Salvatore Di Giacomo, Libero Bovio e A.E. Mario (pseudônimo de Giovanni Gaeta).

Contudo, até a Grande Guerra, a grande fama da Itália, considerada o país dos bandolins e bel canto, era identificada com a música napolitana.

Portanto, também espalhada por milhões de emigrantes, e reforçada pela voz inconfundível de Enrico Caruso.

Entretanto, cada região tinha suas próprias tradições de canções dançantes e de dialeto, as tradições particularmente ricas eram as romanas (com seu próprio festival, em San Giovanni, desde 1891).

Assim, na forma de ‘sonetos’ e ‘stornelli’, frequentemente serenatas, e a milanesa. Mas também outros, por exemplo, o contador de histórias siciliano de Ciuri ciuri (1883) a Vitti ‘na crozza (1950).

Então, em Romagna, nasceu a tradição da música de “dança de salão”, que reinterpretou a dance music de origem vienense e da Europa Central: valsa, polke e mazurke.

A música político-social

A música político-social nasceu em um italiano cortês e literário, como uma canção patriótica durante as guerras do Risorgimento, como O hino dos italianos (1847).

Música italiana antiga de Michele Novaro e composta por Goffredo Mameli, que morreu em defesa da república romana em 1849.

Assim, também o famoso adeus minha linda despedida (1848), e em 1859 o hino a Garibaldi de Luigi Mercatini, mas também com tom e linguagem populares, como La bella Gigogin (1859), do milanês Paolo Giorza.

E se desenvolveu em várias direções:

As canções populares da emigração:

Acompanhavam com dor, às vezes com raiva, o drama do êxodo de até 20 milhões de italianos, especialmente para as Américas, dos anos 80 à Primeira Guerra Mundial.

As canções do trabalho, em italiano ou em dialeto:

Do nomeado após o pantanoso (e malárico) Maremma da Toscana até o dos scariolanti, que recuperaram os pântanos do Pó e os dos camponeses Emilianos e Lombardos nos campos de arroz do Piemonte.

As canções revolucionárias:

De tradição socialista ou anarquista, que alternavam os tons dolorosos, pela opressão sofrida como trabalhadores explorados, pelo orgulho de uma “consciência de classe” antagônica como:

O hino dos trabalhadores, composta em 1886 pelo jovem Filippo Turati , futuro líder socialista.

A Internacional e a Bandeira Vermelha:

Compostas no início do século XX em uma versão socialista, e ambas reinterpretaram, a partir da década de 1920.

Contudo, também em uma versão comunista, Adeus Lugano lindo, composto na prisão pelo anarquista Pietro Gori no final do século XIX.

As muitas canções da Grande Guerra ou intenção comemorativa:

Como o sino de San Giusto (1915) e, acima de tudo, a lenda do Piave. Escrita pelo grande compositor napolitano E.A. Mario em 1918, de popularidade imediata e enorme ou de protestos nascidos nas trincheiras, como Gorizia tu amaldiçoou (1916) e Tapum.

Entrelaçados com este último fio, havia o de muitas canções corais alpinas e montanhosas.

Um grande sucesso também teve uma canção política de significado nacionalista explícito, escrita por ocasião da guerra da Líbia, em 1910: A Tripoli.

Assim lançada pela estrela da opereta Gea della Garisenda, que se apresentou no palco envolto em uma bandeira tricolor.

Porém, em  A Trípoli! é apenas um dos muitos exemplos de contaminação entre diferentes gêneros: nesse caso, entre música política, opereta e concerto de café.

Entretanto, em outros casos entre músicas sociais e políticas e tradições dialetais locais, ou entre a canção napolitana, frequentemente interpretada por grandes tenores como Caruso e a Ietra.

Todavia, apenas uma música napolitana que remonta a meados do século XIX, Santa Lucia, é considerada por muitos como a primeira música italiana de verdade.

Dessa forma, escrita em italiano literário, mas um pouco menos cortês, e com a estrutura típica baseada em estrofes e refrão.

Então, a realidade é que a maioria das notáveis canções, os excepcionais compositores de textos e músicas e os grandes intérpretes pertenciam, até a Grande Guerra, à tradição napolitana.

Música italiana antiga anos 20

Entre música melódica, “italiana” e ritmos americanos

De acordo com outros historiadores da música, as primeiras músicas italianas verdadeiras, todas em 1918, foram Come le rose, Cara piccina e Come pioveva, o último do primeiro compositor da história, Armando Gill (brilhante “falante fino”).

Assim, também lançou árias fáceis como: Quem com mulheres quer ter sorte.

Na verdade, eram três músicas escritas em italiano levemente arcaico e literário e, musicalmente, construídas com frases melódicas mais curtas, adaptadas à dança.

Então, o primeiro período pós-guerra foi marcado por grandes inovações, a expansão das gravadoras e, acima de tudo, a erupção de danças.

Porém, do outro lado do oceano, ou seja, o tango argentino, a rumba dos trópicos, e dos Estados Unidos o trote de raposa, sobretudo, o chimbal.

Contudo, a origem foi a bola dos descarregadores do porto de Charleston, que explodiu na América no início da década de 1920.

Depois, exportada para Paris em 1925 por Josephine Baker, a “vênus negra” do Folies Bergères, e foi lançada na Itália com a música Lola (“cover” do original Yes Sir …).

Dessa forma, o chimbal quebrou todas as regras da dança e, para dançar, você tinha que ter pernas soltas, também revolucionou a moda feminina.

Por isso, emancipou mulheres da prisão do busto, saias e cabelos encurtados, cortados “Garoto” como Baker.

Da América, na década de 1920, não só chegaram novas danças, mas, sobretudo, novas músicas, jazz: uma música rítmica, sincopada e de cinco notas que invadiu todo o Ocidente dos clubes negros de Nova Orleans.

As canções italianas do primeiro período do pós-guerra, como Vipera (escrita em 1919 por EA Mario, mesmo autor do Canzone del Piave).

Assim também, Skeptic blues (1920) e Addio Tabarin (1922), foram dirigidas à burguesia que aglomerava o “tabarin”.

A definição de tabarin no dicionário é um local de encontro noturno onde se dança e dá shows de variedades curtas.

Entretanto, “Viper”, assim como o crioulo mais famoso, expressou o amor masoquista por uma mulher perfídia e dominadora.

Então, o pior daquela imagem inferior da mulher, recorrente em muitas canções do período, foi alcançada nos famosos  BALOCCHI E PROFUMI (1929), também de E.Mario.

Dessa forma, a atmosfera do tabarin logo se tornou um assunto de sátira nos personagens do grande ator Ettore Petrolini: Giggetto er bullo e Gastone.

Portanto, entre as décadas de 1920 e 1930, uma nova vitalidade de canções regionais se manifestou, em italiano ou em dialeto, especialmente (mas não apenas) em Roma e Milão.

Em Roma, entre os muitos: Nannì (1926) e Tanto pe ‘cantà, interpretados por Petrolini, Quanto sei bella Roma, Chitarra romana, La Romanina, (1939).

Em Milão, especialmente por Giovanni D’Anzi: La Balilla (o carro que a Fiat lançou em 1932), Porta Romana e Madunina (1937).

Contudo, havia também canções genovesas famosas, como Ma se ghe pensu (1925) e Abruzzese Vola.

Entretanto, um grande chansonier daqueles anos, de fama internacional (ele foi comparado ao francês Maurice Chevalier) foi Odoardo Spadaro, que reviveu a tradição do canto florentino.

Florence dreams, Traga um beijo para Florence, A valsa das pessoas pobres.

Então, em Romagna, em 1928, foi formada a orquestra de Secondo Casadei, o maior criador da música de “dança de salão”.

O gênero da peça napolitana nasceu em Nápoles, e uma música muito famosa foi composta: ‘O Paese d’o Sole (1925). Mas a música napolitana perdeu o recorde da Grande Guerra, pelas razões que veremos agora.

Desde 1º de janeiro de 1925, ele começou a transmitir o rádio, primeiro algumas horas por dia, mas com amplo espaço para a música.

Assim, os assinantes (taxas de rádio foram pagas) cresceram lentamente, em comparação com outros países, de 55.000 em 1927, quando a estação de rádio estatal adotou o nome de Eiar, para um milhão e meio em 1940.

Ao mesmo tempo, as gravadoras (Ricordi, Fonit-Cetra, La Voce del Padrone), concentradas principalmente em Milão, adquiriram um grande peso.

Então, em 1930, o cinema sonoro começou, na Itália, com um filme musical: A canção do amor, o título do filme e da música, este de dois autores (napolitanos) que marcaram a música italiana por décadas: Bixio e Cherubini.

Dessa forma, dentro do gênero de “telefones brancos” (chamadas comédias sofisticadas, com um cenário de alta burguesia, no estilo da grande comédia americana da década de 1930).

Porém, a veia do filme musical tinha amplo espaço, com canções que se tornaram muito famosas entre a música italiana antiga:

Violino Tzigano (1934, de Bixio, no filme Melodramma)

Non ti scordar di me (1935, cantado no filme de mesmo nome pelo famoso tenor Beniamino Gigli)

Vivere (1937, de Bixio, cantada por Carlo Buti no filme de mesmo nome)

La mia canzone al vento (1939)

Mille lire al mese (1939, filme de mesmo nome)

Voglio vivere così

Entretanto, “o amor” não é cantado, ou melhor, sussurrado, pela grande atriz Alida Valli em um filme de 1942, talvez o último da série “telefones brancos”.

Contudo,  o marco do gênero, que obteve imenso sucesso, foi o Parlami d’amore Mariù (ainda de Bixio), de 1932, no filme Os homens malandros de Mario Camerini.

Assim, foi cantado por um jovem cantor já conhecido, mas que mais tarde se tornou talvez o personagem mais importante da história do cinema italiano, no duplo papel de ator e diretor: Vittorio De Sica.

Então, através do cinema musical, os cantores, que até então eram apenas vozes (nos discos e no rádio), também se tornaram rostos conhecidos.

Portanto, muitos desses atores-cantores vieram do gênero de teatro de revista, que naqueles anos substituiu a opereta, recorrendo, por um lado, a esboços de quadrinhos e sátiras de figurinos.

Contudo, por outro lado, ao strip-tease. Rainhas desse gênero eram Wanda Osiris e Isa Barzizza, protagonistas masculinos de De Sica, Macario, Totò, D’Apporto e Rascel.

Em 1930 também nasceram as grandes orquestras, que tocavam nos salões de baile mais renomados, especialmente em Milão e Turim, ou nos estúdios de rádio.

Contudo,  tinham seu centro de criação em Turim, no tempo em que os estúdios de cinema situavam em Roma, onde em 1937 Cinecittà nasceu.

Dessa forma, as orquestras mais importantes foram as de três regentes de grande valor: Tito Petralia, Cinico Angelini e Pippo Barzizza.

Assim, na década de 1930, começou a era do swing, uma dança americana e a influência do jazz ressurgiu, embora contra o regime fascista.

Nos anos 30, pela primeira vez, surgiu um contraste entre a música tradicional, melódica e sentimental da Itália.

Assim, com temas muitas vezes patéticos e chorosos, ambientes íntimos e pequeno-burgueses, influenciados pela tradição folclórica, em particular pela música napolitana.

Contudo, por outro lado, a música inovadora e mais rítmica, influenciada pelo swing e pelo jazz. Dos grandes condutores mencionados acima.

Angelini foi o campeão da primeira vertente, Barzizza. Entre os artistas da música italiana sentimental melódica.

Porém o mais famoso foi Carlo Buti (que na época tinha muitos herdeiros no período pós-guerra, de Claudio Villa a Andrea Bocelli).

Então, entre os primeiros a se apresentar no rádio, Buti foi a primeira “estrela” da música italiana antiga e gravou 5000 discos, com um repertório na tríade amor-pátria-nostalgia.

De fato, canções famosas dessa tendência foram:

Tango de ciúmes (Mascheroni, 1930), Lucciole vagabonde (Bixio, 30), Menina apaixonada (34), não se esqueça das minhas palavras e você voltará (19), Mamma (Bixio 1940, cantada por B. Gigli).

Pioneiro do estilo rítmico, o swing foi o genovês Natalino Otto, que em 1937, com o músico Gorni Kramer.

Assim, apresentou um repertório de estilo americano, incluindo Polvere di stelle, Mamma, também quero minha namorada, tenho uma pedrinha no sapato.

Outro grande intérprete foi Alberto Rabagliati, que em 1926 venceu uma competição realizada pela Fox nos Estados Unidos para substituir o falecido Rodolfo Valentino.

Porém, não teve sorte, então voltou à Itália, onde no final da década de 1930 o “estilo Rabagliati explodiu ”, com: Ba Ba Baciami Piccina , Quando canta Rabagliati, e vários outros.

Entretanto, o principal protagonista do swing italiano foi o Trio Lescano, composto por três irmãs holandesas, ex acrobatas, com Arriva Tazio e Ma le gamba.

O ciúme não está mais na moda, Maramao perchè sei morto e muitos outros de enorme sucesso.

Nas duas vertentes, havia também canções muito leves, às vezes de entonação cômica ou surreal, tocadas em sentido não-sentido ou duplo, como:

Adagio, Biagio (1930); Bombolo (32); Aquela melodia que eu tanto gosto (34).

Embora esse repertório de canções de puro escapismo, alegres e cativantes, muitas vezes construídas para a dança, continuou e se intensificou nos primeiros anos da guerra (quase para fazê-la esquecer).

Assim como as músicas inspiradas na exaltação do campo, das tradições rurais, da vida ao ar livre, no contexto de uma controvérsia recorrente naqueles anos entre o campo e a cidade, entre “Strapaese” e “Stracittà”.

Por exemplo:

Tic-tì, tic-tà; Cante o esquiador; Viva a torre de Pisa; O embaixador chegou; Tulipan; Eu quero viver assim; O tambor da banda da Affori.

Portanto, no geral, o panorama da música italiana da década de 1930 era muito rico e articulado.

De fato, graças a grandes letristas, compositores, maestros / arranjadores, alguns dos quais permaneceriam protagonistas até a década de 1960.

A influência do fascismo, canções políticas!

Desnecessário dizer que as décadas passadas para a música italiana antiga foram as da ditadura fascista.

Mesmo antes da tomada do poder, nos anos do esquadrismo (1920-1922), o movimento fascista fez uso extensivo de canções, em continuidade à tradição de canções de guerra.

Assim, seu hino mais famoso, Giovinezza, nasceu na verdade como uma canção goliardic (isto é, de estudantes universitários) no início do século.

Contudo, depois tornou-se o hino dos “Arditi” nas trincheiras da Grande Guerra e foi adotado pelas equipes fascistas.

Entretanto, finalmente, teve uma reescrita oficial, de Salvator Gotta, com um texto um pouco menos  belicoso, que o tornou o hino oficial do Pnf (versão oficial).

Dessa forma, o rádio, que o fascismo conseguiu explorar com habilidade para fins de propaganda, o transmitido todos os dias.

Cada setor do regime tinha pelo menos sua própria música ou hino: em 1923, Giuseppe Blanc (autor da versão goliardica da juventude).

Assim, Giuseppe compôs Balilla para a organização das crianças, assim como as mulheres fascistas.

Então, muitas outras canções declaradamente de regime se seguiram, especialmente desde 1935 (o ano da guerra da Etiópia). Assim, variava em todos os tons e registros, tanto nas letras quanto nas músicas italiana antiga.

Do solene e cortês ao elegíaco da música e até do registro cômico-satírico do teatro do espetáculo (O morettina).

Exemplo é o caso da música mais famosa (depois da juventude): Faccetta nera, que se tornou muito popular devido à interpretação no estilo românico de Carlo Buti.

Porém, além das canções explicitamente políticas, ou indiretamente políticas, como MA COS’E’ QUESTA CRISI e outras semelhantes.

Portanto, a influência do fascismo foi exercida no incentivo à tradição popular nacional da “música italiana antiga”.

Assim, imbuídos de valores tradicionais e pequeno-burgueses, como o lar, a família (exemplo dos textos de mil liras por mês (veja antes).

Veja o caso de Mamma (ver antes), de 1940, confiado a Beniamino Gigli, que ainda é uma das três canções italianas mais famosas do mundo, as outras duas são: ‘O sole mio e Volare di Modugno).

Entretanto, o fascismo também procurou impedir e limitar ao máximo a influência de estilos e correntes musicais de outros países, em particular do jazz americano (o mesmo também na literatura).

Dessa forma, bem antes da “autarquia” de 1935, já em meados da década de 1920 o fascismo impunha a tradução das letras de músicas estrangeiras.

Contudo, também dos nomes dos cantores, até o grotesco de apresentar o grande Louis Armstrong, em sua primeira turnê na Itália. em 35, como Luigi Braccioforte.

Então, após vinte anos de censura absoluta de qualquer forma de oposição, durante a Resistência (1943-1945) renasceu uma música política antifascista.

Portanto ligada à experiência da guerra partidária, cujos exemplos mais famosos foram Whistle the wind e Bella ciao ( veja as diferentes versões mostradas).

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